在他们的2023工作室首次亮相 Jasmine on a Night in July,位于布鲁克林的实验三人组Scree宣布了自己具有影响力的进展性爵士乐套件,渠道了一个管弦乐音诗的深层感。 Jasmine的超宽屏视野，这个团队决定他们的下一张专辑应该突出这个团队——由吉他手/作曲家Ryan El-Solh、竖琴手Carmen Quill和鼓手Jason Burger组成——的最基本方面。录制于他们第一张专辑（2019年的 Live At the Owl）的现场，这年份的专辑是对该团队在纽约市近十年的演变的动人见证， immortalizing 他们的个性的一种情感状态，任何录音室录制都无法捕捉到。 在他们的激情高潮和渴望和不安的感觉中，这些歌曲唤起了重新聚焦并在一个黑暗世界中寻找希望和目的的体验。 Live at the Owl Music Parlor Volume Two

独立运营的场所The Owl Music Parlor，是布鲁克林Prospect Lefferts Garden区的一间小型座位室，是Scree的表演场所。原来的 Live at the Owl 记录了一个正在形成共享语言的乐队，合成了一种融合了独立摇滚和爵士元素的词汇。现在，Scree在这个场所的表演像新的一场舞台剧一样。经常，他们在扩展的阵容中在那里表演，首次演出他们从El-Solh的音乐思想的不同角落中来的统一的新作品集。可以说，过去几年中Scree的许多项目都不会被实施，如果没有一个可靠的场所来为团队的想法提供空间——在小型音乐场所面临的挑战时，这种情况是罕见的。

从2024年1月6日的两场表演中提取， Live at the Owl Muisc Parlor Volume Two 是Scree在The Owl上展现出的最完整、最无所畏惧的状态。展示了比之前任何Scree发行更广泛的表达谱，专辑包含了十年前的主题（“Being Realistic”）和新颖的玩意儿（“Chestnut”或“Wintry Mix”，后者是在声音检查时写的）。如果选择了一个录制来展示团队在技术上最出色的表现，那么可能是“Exclamation Point”，El-Solh最近的作品之一。它的色彩丰富的主旋律像折叠起来的风琴一样堆积起来，自己扭曲，唤起了对日常生活空虚表演的沮丧（“为什么每个第三个句子都必须以感叹号结尾？” El-Solh问）。开头的紧张感在开场时的滚动开弦中释放，表明了暂时的和平感。从那里，El-Solh沿着一个锐利的旋律点，信任着和谐会在Quill的低音弹奏中形成。Burger的鼓点为他们的思维提供了支撑和形状。（El-Solh援引了Keith Jarrett与Charlie Haden和Paul Motian的作品的相互关系作为一个灵感来源。）在这样的时刻，有一种令人振奋的自由落体感，超过了Scree之前发行的任何东西。  

这个大型表演的主要部分——九分钟的“Nocturne with Fire”——以类似的程度的狂热度上升，但给予了更丰富的戏剧背景。像专辑上的一些歌曲一样，“Nocturne”以低音的展开开始，允许El-Solh，在他的话中，“安定下来”。在四分钟的独奏吉他沉思之后，歌曲的中心、模态蓝调式的和弦进行将事情放平静，唤起了由标题暗示的夜晚场景。 “Nocturne”从John Coltrane经典四重奏的最激烈的表演中汲取了形式提示（参见“Crescent”或“Spiritual”）。在乐队通过拉格蒂莫和编写的材料缓慢移动之后，他们进入了一个微妙的变化节奏部分，允许El-Solh将歌曲重塑为当时的形象。专辑中包含的演出——在夜晚的末尾——他在录制中表现出最具毁灭性和表达性的演奏，围绕着破碎的主题和聚集的音调。Quill在节拍线上浮动，响应El-Solh的即兴旋律创造，而Burger则朝着一个雷鸣般的高潮前进，放下了一种像爆炸弹一样的填充。这个是信号，顶点已经达到；乐队在不安地在中间的窥探中缓慢下降，完全驱散了。这些细节是Scree进入和离开混乱深渊的旅程的必备品，体现了他们成为一个独特的合奏的本质。

在许多方面来说，尽管“四首圆舞曲”是这个集中的情感和意识形态核心，但它也是一种风格上的异类。它受到布拉姆斯的钢琴小品的启发，埃尔-索尔赫试图创作一首具有精致的调式变化的作品，起始和结束都在同一个地方。中心主题代表了当前时刻的即时性和稳定性，而每首圆舞曲的中间部分则发生在过去某个时刻——每个圆舞曲的中间部分都在处理不同的事件，或对同一场景的不同解读。最终，主旋律就像冥想中的咒语一样，成为一个焦点，人物的思绪会随着思维的飘荡而不断回归。

“四首圆舞曲”与埃尔-索尔赫的具体困难事件相关联，但它是一种开放的框架，允许许多潜在的记忆和关联通过它。这种说法在这个发行物中是普遍适用的：这些歌曲被写成每次演奏时都有着不同的意义，非常适合音乐家在一个动荡、不断变化的世界中航行。音乐——甚至是创作过程和演出背景的每个方面——都强调了开放性，留出了反思的深度，通过遵循熟悉的实践（歌曲开头的谨慎缓慢，歌曲结尾的重述和重新定位）。演奏几乎像一种虔诚的祈祷一样，体现了寻求与更深层次或治理原则保持联系的永恒追求——在日常干扰中找到一道栅栏。 Live at the Owl Music Parlor Volume Two 这些演奏经常表现出冲突和动荡，但三人的密切倾听和相互适应始终引导他们回归到最初的位置——一种感觉像精神重心的东西。